Joan JETT + The DATSUNS + Jon SPENCER @ Sjock Festival #50, Gierle-Lille, 11 & 12 juillet 2026

Au Sjock, le rock ne se déguste pas avec une petite serviette blanche sur les genoux. Il se bouffe avec les doigts, les dents et, si possible, agrémenté d’une bonne dose rots et de pets. The DATSUNS, Jon SPENCER et Joan JETT sont venus rappeler à ce titre, chacun dans leur registre, que la vieille école et la relève savent, chacun à leur manière, dépoter grave et envoyer du brutal.

Les Néo-Zélandois de The DATSUNS, c’est d’abord une affaire de riffs qui arrivent avec les bottes pleines de boue de là-bas down under. Ils attaquent directos et ne perdent pas de temps à expliquer la recette: guitares gonflées à l’essence, batterie qui cogne comme une porte de hangar et Dolf de Borst en chef de chantier – mais pas style YMCA. Quand arrive MF From Hell, le frontstage prend feu et une tentative de sitdown complètement foireuse tente même de remettre un peu d’ordre dans la chienlit. Mauvaise idée: le Sjock n’a jamais été conçu pour rester assis.

Dans le marquee avec Jon SPECER, on change de rayon et de produit. Plus question de simples riffs: SPENCER sort la disqueuse, branche le moteur et commence à creuser. Avec basse et batterie pour seules pièces de rechange, il transforme le blues en matière première. Ça rampe, ça grince, ça répète, ça monte en pression. Une prestation hypnotique autour d’un garage/blues-rock volontairement noisy qui ne cherche pas à séduire mais simplement à curer les oreilles sales et à tourner le cerveau légèrement de travers. Mister-la-classe demeure fidèle à son image de gentleman driver – pardon: de gentleman-rocker – qui n’a plus rien à prouver et qui le sait parfaitement. De quoi ne pas vouloir en rajouter mais simplement assurer une réputation qui n’est pas usurpée. Pas de frime, pas de gimmick: just do it. – May I shoot a picture, Sir ? – Yes, for what it is ? – For Intensities in 10s Cities – Hummm, nice stuff ! Let’s go out at the sun set…

La tête d’affiche de ce Sjock #50, c’est elle. Joan JETT. On lui emboite le pas depuis sa loge jusqu’à la mainstage, entourée de ses chiens et chiennes de garde. Du haut (pas bien haut) de ses 67 berges, elle marche voûtée comme une petite vieille qui s’est chopé un méchant lumbago: si le pas est rapide, l’allure n’est plus svelte. Ostéoporose peut-être ? Quelques pénibles échauffements et étirements backstage à l’abri des regards donnent du crédit à notre diagnostic, merci Dr Maboul. Si Joan JETT joue sa diva avec ses exigences et caprices de stars aux antipodes du caractère rural, down-to-earth, bon enfant et familial du Sjock, nous on préfère en rire même si ça fout la pression sur le staff backstage, particulièrement sur le catering. Pas de photographe. Nulle part: ni frontstage, ni backstage. Et celui qu’on prendra à dégainer son appareil depuis le public sera expulsé manu militari. Oui, Joan, chef oui chef. Allez hop, quelques clichés à la sauvette quand même. On est au Sjock, ici, ma vieille. Chez nous. Ou presque. On joue à domicile.

Ceci dit, pas besoin de maquiller la marchandise: la vieille dame de guerre déroule quand même l’artillerie avec ses Blackhearts. La première partie du concert peut sembler plus retenue, mais lorsque les classiques s’empilent en fin de set, la machine retrouve son dentier – pardon: ses dents. Pas de cirque inutile, mais pas de quoi fouetter non plus un chat: du rock frontal, identifiable en trois secondes, avec cette voix rauque qui ressort les vieux flingues qui n’ont manifestement jamais demandé l’autorisation de vieillir. Joan JETT est venue, elle a vu, mais de-là à dire qu’elle a vaincu…

ows – Upcoming Shows – Upcoming Shows – Upc

Un ch’tit coup d’oeil dans notre rétroviseur ? C’est par ici :

Et comme toujours en français in ze texte: last & latest footages, shootings & reviews in our specific GALERY « From backstage to frontstage ». NO Photoshop. NO Ligthroom. NO RAW format. NO numeric nor digital overdub. NO artificial intelligence (ONLY human one !) and pure one-shot JPEG !

SJOCK’s RENDEZ-VOUS BAND + SONS @ Sjock Festival #50, Gierle-Lille, 11 & 12 juillet 2026

The Flamish Connection (bis): deux bands van Vlanderen, deux philosophies, deux concepts. SONS, c’est quatre Flamands qui prennent le garage-punk, le gonflent à l’adrénaline et le balancent dans la tronche du public. Le SJOCK’s RENDEZ-VOUS BAND représente, lui, la mémoire qui refuse de crever : cinq furieux qui vont chercher dans les caves du rock les morceaux qui auraient mérité de résonner à Gierle-Lille sur la scène du Sjock ces dernières décennies et les ramènent à la surface avec les mains suintantes. Les uns courent avec un bidon d’essence. Les autres arrivent avec les allumettes. Et au milieu, le Sjock #50 regarde avec délice du haut de son demi-siècle brûler sa cinquantième bougie. Cinquante ans et toujours pas calmé, le Sjock.

Avec le SJOCK’s RENDEZ-VOUS BAND, le Sjock prépare un cadeau d’anniversaire de plus. Parce que pour les cinquante ans du festival, il fallait forcément quelque chose de plus vicieux qu’une cover band de reprises. Il fallait une bande de types suffisamment allumés pour monter sur scène et foutre le feu au catalogue des absents. SJOCK’s RENDEZ-VOUS BAND : les copains d’abord, le reste après. Sur le papier, ça sentait pourtant le piège mainstream à festivaliers-touriste d’un jour: une formation montée spécialement pour les cinquante ans du festival, composée de musiciens issus notamment de Shala Lees, Sore Losers, Fifty Foot Combo, Peter Pan Speedrock et TankZilla. Une sorte de dream team belge convoquée pour célébrer un demi-siècle de riffs et de bières. Et le piège se referme. Enorme.

Cédric Maes, Kevin Maenen, Alessio Di Turi, Steven Gillis et Peter Van Elderen ne donnent pas l’impression d’être venus jouer les vieux souvenirs de papa. Ils donnent plutôt l’impression d’avoir trouvé une vieille caisse remplie d’explosifs et d’avoir décidé de voir ce qui se passerait en y mettant le feu. Le concept est aussi simple que jouissif : jouer des morceaux de groupes qui auraient dû fouler les planches du Sjock mais qui ne l’ont jamais fait. Puis, de suite, les choses commencent sérieusement à sentir le pneu brûlé. Motörhead (oui, ils OSENT débuter leur set avec Overkill !!). Misfits. CCR. Kyuss, MC5 (… quoique la bande à Wayne Kramer était bien ici-même avec nous en 2018 sous l’appellation MC50, pour précisément les 50 ans de la pierre baptismale des 5 de la Motor City).

Parce que le Sjock n’a manifestement jamais entendu parler de la notion de suffisamment, un invité surprise débarque. Comme si le gâteau d’anniversaire avait besoin d’une bouteille d’essence supplémentaire, les Néo-Zélandais de The DATSUNS viennent rajouter leur propre couche de décibels. C’est exactement ce que devait être cette formation éphémère : pas une attraction nostalgique, mais une putain de célébration du rock’n’roll. Et c’est probablement là que le concept du SJOCK’s RENDEZ-VOUS BAND prend tout son sens. Parce qu’un festival qui fête cinquante ans sans se prendre au sérieux est déjà un festival respectable. Un festival qui fête cinquante ans en montant sur scène pour jouer du Motörhead, du Misfits, du MC5 et du Kyuss, c’est autre chose. C’est une déclaration de guerre.

SONS. Les quatre lascars de Melsele débarquent avec leur garage-punk qui a oublié de prendre ses tranquillisants: tempo à l’os, batteries qui cognent comme des marteaux-piqueurs et riffs qui vous arrivent dans les côtes. Au Sjock, évidemment, ça ne pouvait que tourner au carnage. Robin Borghgraef n’est pas simplement derrière son micro : il est partout. Il harangue, saute, provoque, entraîne. Et pendant que le bonhomme fout le feu aux poudres, ses trois complices alimentent la chaudière. Pas de graisse intellectuelle, pas de séquence destinée à faire joli sur Instagram : SONS balance ses morceaux et le public comprend immédiatement le mode d’emploi: quatre Flamands, quelques amplis, une batterie qui cogne et une foule à qui personne n’a expliqué qu’il fallait rester calme. Happy Birthday, le Sjock #50.

The KIDS + The PARANOIACS @ Sjock Festival #50, Gierle-Lille, 11 & 12 juillet 2026

The Belgian Connection (ou plutôt la Flamish Connection) ne meurt jamais avec ces deux vieux flingues de la scène belge venus rappeler aux générations Spotify que le punk n’a jamais eu besoin de demander la permission pour foutre le bordel. Le point commun entre The KIDS et The PARANOIACS ? Ils ne cherchent pas à prouver qu’ils sont encore jeunes. Ils démontrent quelque chose de beaucoup plus emmerdant pour tous ceux qui avaient déjà rangé le punk au rayon des antiquités : ils n’ont jamais cessé d’être dangereux. The KIDS ont sorti les vieux couteaux et les ont trouvés encore bien aiguisés. The PARANOIACS ont rouvert une boîte qu’on croyait enterrée depuis quinze ans et ont découvert que les bestioles à l’intérieur avaient toujours faim. Deux groupes belges. Deux générations de guitares. Deux manières de foutre le bordel.

The KIDS, 50 ans au compteur tout comme le Sjock et toujours cette manière de balancer les morceaux comme des coups de latte. À l’AB début de l’année, il parait qu’ils avaient déjà démontré qu’ils pouvaient encore transformer une salle en champ de bataille. Même recette au Sjock: pas de fioritures, pas de chirurgie esthétique, pas de tentative désespérée pour faire croire qu’on a encore vingt ans, parce que The KIDS jouent encore comme des types qui ont quelque chose à régler. Ils n’ont évidemment plus l’âge de courir partout comme des dératés, mais on s’en branle : le venin est toujours dans la voix et les guitares continuent de découper le gras. Et on redécouvre qu’un morceau écrit il y a près d’un demi-siècle peut encore coller des mandales. There Will Be No Next Time: le quatuor n’est pas en train de rejouer son passé, il est en train de lui coller une nouvelle couche de cambouis. Avec Blitzkrieg Bop, feu The Ramones peuvent rester tranquilles : leurs copains d’Anvers savent toujours comment transformer trois accords et un refrain en une émeute.

Et puis, parce que le Sjock aime manifestement titiller la queue des vieux démons jusqu’à ce qu’ils recommencent à cracher le feu, The PARANOIACS débarquent. 15 ans après avoir plié bagages, ils ressortent les câbles, les amplis et les vieilles marottes. Quelques concerts-tests ont parait-il récemment permis de constater que les Anversois n’avaient manifestement aucune intention de revenir sur scène en pantoufles. Au Sjock, ils ont tenu parole. Et même davantage. Ici, pas besoin de les présenter, tout le monde les connait. Si les morceaux ont vieilli – on ne les connait pas quant à nous – les musiciens aussi mais certaines chansons possèdent cette saloperie de qualité qui leur permet de traverser les décennies sans perdre leur pouvoir de nuisance. Les Flamands les qualifiaient de Vlaamse Ramones nous apprend-on au coin du bar backstage: chansons courtes, mélodies immédiates, guitares sales, efficacité maximale et cette capacité à transformer un refrain en hymne. Y a pas photo ni prompteur: le punk belge (… flamand) n’est pas mort, il a juste pris de l’âge. Comme le Sjock #50. Op sjock gaan plus que jamais !

COCK SPARRER @ Sjock Festival # 50, Gierle-Lille, 11 juillet 2026

Les vieux chiens mordent encore. 22h05, Rockers England arboré sur le dos du t-shirt avant de partir à l’assaut de la mainstage du Sjock, celle-ci n’a plus grand-chose d’un terrain de jeu pour jeunes premiers. Elle appartient aux vieux briscards. Ceux qui étaient déjà là quand le punk anglais apprenait à marcher et qui, près de cinquante-cinq ans plus tard, viennent encore expliquer aux gamins comment on fait trembler une plaine. COCK SPARRER entre en scène. Et soudain, tout le monde prend dix kilos de moins et trente ans de plus.

Pas question ici de jouer au musée du punk britannique, avec les reliques sous cloche et les souvenirs soigneusement époussetés. Les Londoniens branchent les amplis et attaquent directement là où ça fait mal. Pas de fioritures, pas de cirque, pas de poudre aux yeux : des guitares, une rythmique qui cogne et des refrains conçus pour être gueulés jusqu’à plus soif. Le public, lui, n’attendait manifestement que ça. Dès les premiers accords, on sait que COCK SPARRER n’a pas pris une ride. Ou plutôt si : ils ont pris des rides, comme tout le monde. Mais contrairement à beaucoup, ils ont surtout pris du muscle.

Ca chante, ça se bouscule, ça se pousse au cul. Les moshpits se multiplient. À chaque refrain, le public semble décidé à prouver qu’il connaît les paroles mieux que Colin McFaull lui-même. Et lui, pas besoin de cabotiner. Pas besoin de gesticuler comme un chanteur de hard FM. Le bonhomme avance avec cette présence tranquille des types qui n’ont plus absolument rien à démontrer. Sa voix, reconnaissable entre mille, reste le fil barbelé qui traverse tout le bordel.

A ses côtés, la fine équipe déroule son affaire avec la précision d’une vieille machine de guerre. Une machine qui aurait certes accumulé quelques kilomètres au compteur, mais dont personne n’a encore trouvé le bouton « arrêt ». Le plus savoureux, c’est que le groupe ne se contente pas d’exhumer ses vieilles cartouches et des morceaux plus récents trouvent naturellement leur place dans la mitraille. COCK SPARRER prouve surtout qu’on peut avoir commencé sa carrière à l’époque où les téléphones avaient un fil et continuer à écrire des morceaux qui sentent encore la rue et les arrières-cours de bistrots londoniens. C’est probablement ça, le véritable super-pouvoir de ces types.

Le temps peut bien passer. Les modes peuvent défiler. Les générations de punks peuvent se succéder. Les cheveux peuvent tomber et les genoux commencer à protester. Certains groupes restent capables de déclencher instantanément ce vieux réflexe primaire : lever le poing et hurler avec son voisin, mettre le feu sans avoir besoin de réinventer la poudre. Ils s’en tamponnent probablement les amygdales d’être à la page, leur truc c’est l’efficacité. Trois accords, quelques riffs, des refrains que même un type complètement bourré peut hurler correctement. Visiblement, les gars de COCK SPARRER n’ont toujours pas compris qu’ils étaient censés prendre leur retraite: les Londoniens n’ont pas donné une leçon de nostalgie, ils ont donné une leçon de longévité. Nuance essentielle. Les vieux chiens ont plantés leurs crocs directement dans la mainstage.

The TOY DOLLS @ Sjock Festival #50, Gierle-Lille, 11 juillet 2026

Avec The TOY DOLLS, le punk est en mode cartoon : le trio déboule sur la mainstage avec leurs costumes tirés à quatre épingles et leur tronches de vieux garnement qui te font bien sentir qu’ils entendent te servir leur punk avec une poignée de confettis dans la gueule. Parce qu’avec Olga et ses complices, le punk n’a jamais vraiment eu besoin d’être menaçant. Il suffit qu’il soit rapide, débile, mélodique et suffisamment vicieux pour vous coller un refrain dans le crâne avant même que vous ayez eu le temps de protester.

Les guitares cavalent à fond de train, les rythmes mitraillent et les trois lascars sautillent sur scène avec l’énergie de gamins qui auraient remplacé le goûter par trois litres de bière. Pire que des kangourous. Pire. Les morceaux s’enchaînent à toute berzingue : du punk tout ce qu’il y a de plus britannique mais sous amphétamines, du ska passé dans une centrifugeuse et surtout cette incroyable capacité à transformer chaque chanson en gag musical.

Et puis arrive The Lambrusko Kid: une gigantesque bouteille de champagne gonflable fait son apparition. Elle est dégoupillée et le résultat ressemble moins à un concert qu’à une fête de fin d’année organisée par des hooligans imbibés: confettis partout, public hilare, The TOY DOLLS en roue libre, quoi.

Mais le véritable missile balistique reste évidemment Nellie the Elephant. Le morceau que tout le monde attend. Celui qui transforme instantanément la foule en chorale punk sous caféine. Et lorsque l’éléphant déboule, la prairie se réveille d’un coup. Il y a ceux qui reprocheront aux TOY DOLLS de ne plus avoir la fraîcheur de leurs débuts. Ceux qui chercheront le morceau capable de rivaliser avec leurs grands classiques et resteront sur leur faim. Et puis il y a ceux qui comprennent que The TOY DOLLS ne sont pas venus réinventer le punk. Ils sont venus le faire sourire.

Depuis près d’un demi-siècle, Olga et sa bande perfectionnent la même recette : des guitares qui filent à 200 à l’heure, des refrains idiots mais imparables, des costumes improbables, de l’autodérision et cette bonne vieille philosophie selon laquelle un concert peut parfaitement être une gigantesque connerie — pour autant qu’elle soit jouée à fond. Une opération de sabotage du sérieux. Et quand Nellie the Elephant finit de piétiner la mainstage, le constat est simple : certains groupes vieillissent. The TOY DOLLS, eux, ont simplement appris à devenir de meilleurs emmerdeurs.

L7 @ Sjock Festival, Gierle-Lille, 12 juillet 2026

Dimanche soir, c’est soirée gonzesses. Ou plutôt MILF. Joan JETT bouclera le festival sur la mainstage mais avant la révérende, un dernier coup dans la porte. Quarante ans après avoir commencé à foutre le feu aux conventions du rock californien, L7 refuse toujours de rentrer sagement au garage. En 2026, le groupe n’a plus besoin de prouver qu’il a participé à l’explosion du punk alternatif et du grunge. Il lui suffit de monter sur scène, d’enclencher les amplis et de laisser les guitares passer le public au papier de verre avec des frappes courtes et massives, sans graisse et presque sans respiration avant que quiconque ait le temps de reprendre son souffle.

Les filles ne cherchent pas à amadouer le public mais au contraire à lui administrer une décharge parfaitement réglée. Aucun cérémonial inutile. Le groupe attaque et piétine les politesses de A à Z avec, entre les deux, une set list en blocs de béton armé. Pas de longue dissertation, pas de solos interminables pour camionneurs mélancoliques. Les chansons entrent, cognent et disparaissent en laissant derrière des amplis éreintés. Vidés, les amplis, comme Axel Bauer après trente-cinq jours de galère et deux nuits pour se (les) vider. Si ce n’est qu’ici, on n’a pas deux nuits et on ne change pas de port.

Les filles débarquent au Sjock pour leur unique date européenne de l’année. Le contexte est idéalement malsain : 50ème anniversaire d’un festival bâti autour du garage, du punk et du rock’n’roll sans vernis dans la même fournaise dominicale. Le genre de réunion de famille où l’on ne sort pas le service en porcelaine mais les bouchons d’oreilles. La setlist est un massacre pour achever les survivants d’un déjà long weekend: 14 morceaux puisés dans plusieurs époques du groupe mais sans transformer le spectacle en visite guidée d’un musée des années 1990.

Sur scène, la mécanique reste rudimentaire dans le meilleur sens du terme. La batterie frappe comme pas deux, les guitares de ne cherchent pas la propreté clinique: elles grincent, bavent et lacèrent. Les refrains sont recrachés à la figure du public avec ce mélange de sarcasme, de colère et d’humour noir qui a toujours distingué L7 des formations venues ensuite vendre une version plastifiée de la rébellion.

Mais au Sjock, une absence change silencieusement la nature du concert. Jennifer Finch, bassiste historique, n’est pas là. Dès le 31 mai, le groupe avait annoncé qu’un problème de santé nécessitant un traitement prolongé l’empêcherait de participer aux concerts estivaux. Elle est remplacée à la basse par la japonaise Tsuzumi Okai (ou plutôt Tsunami Okai faudrait-il dire), ex-Limp Bizkit en 2018. Sur le moment, l’explication publique reste volontairement discrète. Le diagnostic précis n’est révélé que le lendemain du Sjock, le 13 juillet: Jennifer Finch souffre d’une forme agressive de cancer du cerveau, avec de lourdes complications après plusieurs opérations. Malgré sa maladie, elle demande à ses camarades de poursuivre la tournée d’adieu sans elle. Cinq jours plus tard, le 18 juillet 2026, elle meurt à l’âge de 59 ans. Nous sommes à mille lieux d’en douter en ce 12 juillet au Sjock…

Cette disparition jette rétrospectivement un voile noir sur la prestation de L7 en ce Sjock pourtant si festif et kermesse flamande. Ce qui pouvait apparaître comme un simple remplacement temporaire devient le passage brutal d’une époque à une autre. Finch avait rejoint L7 en 1986 et participé aux années les plus incendiaires du groupe, avant de partir en 1996 puis de revenir lors de la reformation. Bassiste, compositrice, photographe et archiviste instinctive de la scène punk de Los Angeles, elle n’était pas seulement celle qui épaississait le mur sonore. Elle en était l’une des poutres porteuses, avec sa basse portée très bas, son énergie bondissante et une présence qui donnait l’impression que chaque concert pouvait finir en collision. Nous en étions encore le témoin privilégié il y a tout juste 10 ans lors de l’édition 2016 du Cabaret Vert.

Il faut donc entendre les concerts de L7 en 2026 pour ce qu’ils sont réellement : non pas une tournée nostalgique de plus, mais une machine lancée à pleine vitesse alors même que le moteur commence à perdre des pièces. Sur scène, le groupe continue pourtant de jouer sans anesthésie. Les vieux morceaux ne sentent pas la naphtaline. Ils mordent encore. Les titres récents n’essaient pas de rajeunir artificiellement la formule. Ils prolongent la même sale humeur, le même refus de plier et la même envie d’expédier les bonnes manières dans la benne à ferraille.

Le groupe a frappé fort au Sjock devant un public qui savait assister à une rareté. Mais derrière les guitares concassées et les refrains crachés collectivement, une autre histoire se jouait déjà. Celle d’un groupe continuant à faire du bruit parce que le silence, cette fois, devenait insupportable. Le cuir est usé, les amplis ont pris des coups et personne ne fait semblant d’avoir encore vingt-cinq ans. Mais tant que L7 peut brancher une guitare, lever un majeur et envoyer Shitlist comme une bouteille incendiaire dans la nuit, le groupe demeure plus vivant et plus dangereux que la plupart des jeunes formations soigneusement calibrées pour les algorithmes. En 2026, L7 ne revient pas réclamer une médaille. Il vient une dernière fois défoncer la porte. Et, quelque part derrière chaque ligne de basse, l’ombre électrique de Jennifer Finch continue de courir pieds nus sur la scène.

The DWARVES + NINE POUND HAMMER @ Sjock Festival #50, Gierle – Lille, 12 juillet 2026

[NDLR : gros bug avec certaines photos qui ont morflé grave en perdant leur haute-définition dans l’aventure Sjock 🙁 On laisse toujours des plumes au Sjock. Autant que de neurones, d’ailleurs. C’est aussi pour ça qu’on y revient…]

En ce dimanche après-midi qui aurait pu être un dimanche à la campagne tout ce qu’il y a de paisible et bucolique, focus sur deux bands parmi bien d’autres qui partagent la Titty Twister Stage. Laquelle scène, nouveauté notable de cette 50ème édition, n’est plus dévolue au rockabilly. Celui-ci est relégué sur la 3ème et petite scène du festival, la Bang Bang Stage. Nouveauté notoire qui donne définitivement au marquee ses lettres de noblesse comme jamais chapiteau n’avait été à la fête, oufti valet.

Un dimanche à la campagne pas comme les autres. NINE POUND HAMMER et The DWARVES, deux bands parmi d’autre en ce jour du Seigneur. Mais même combat. Messe noire pour amplis éventrés qui avaient déjà une sale gueule avant même que le premier accord ne tombe. En-dehors du marquee, c’est canicule. Sous le chapiteau, l’air est encore plus étouffant, lourd et humide, presque solide. Ça sent encore la bière morte d’hier, le cuir mouillé de ce midi, et la sueur froide de ceux qui vont monter au front. Personne n’est ici pour faire dans la dentelle, on est là pour assister à du brutal.

From Kentucky, NINE POUND HAMMER ce sont des habitués du Sjock, avec un Blaine Cartwrigh qui a pour habitude de zoner dans le backstage tout le weekend durant à stroner des bières avec sa femme Ruyter Suys. Mais il a troqué cette année sa co-leadeuse de Nashville Pussy par le batteur du combo, Ben Thomas. Faudra qu’on nous explique un jour cette joint-venture NINE POUND HAMMER – NASHVILLE PUSSY quand il n’y a pas de raison objective de les voir ensemble. Quant à Cartwright, il ne joue pas de la guitare, il la racle – et ça donne à NINE POND HAMMER ce son de moteur grippé qui refuse de mourir.

Scott Luallen, indécrottable aux vocals, semble remonter d’un puits rempli de bourbon, de graviers et de souvenirs pourris. Chaque morceau transporte l’odeur d’un bar fermé à l’aube dans un Kentucky qui n’a rien d’une carte postale. C’est une terre brûlée traversée par des chiens errants et des types qui ne rentrent jamais chez eux mais qui jouent une musique qui trouve exactement l’endroit où ça fait mal. NINE POUND HAMMER creuse, riff après riff, jusqu’à trouer le silence d’un grondement sourd et animal (ça ne veut pas dire grand chose, ça…).

The DWARVES, c’est la même chose en pire. Ou en mieux, c’est selon. Ça cogne. Ça accélère. Ça se contracte. Ça explose. Puis ça laisse parfois suffisamment d’espace pour que tu comprennes que la prochaine déflagration va être encore pire. Le premier morceau explose avant même que le public ne réalise ce qui lui arrive. Un mur du son, une décharge électrique en intraveineuse dans la moelle épinière, des coups tirés dans une pièce sans fenêtres.

Les riffs sont taillés avec précision tandis que la batterie pilonne grave. Au centre, les vocals balancent la sauce avec une tranquillité inquiétante toute en contraste avec le band qui joue vite. The DWARVES, une masse sonore compacte et furieuse, avalée par le même rouleau compresseur. Faut dire aussi qu’outre un lead guitar à la Nugent – on parle d’un jeu de scène et de gimmicks d’un fou furieux – on a quand même Nick Oliveri à la quatre cordes, excusez du peu (Queens of The Stone Age et Kyuss, ça te parle, Gros ?).

Le cow-punk goudronné de NINE POUND HAMMER et la démence de The DWARVES se partagent ainsi la Titty Twister Stage comme on partage un dernier verre avant la fin du monde. Jusqu’au dernier accord. Puis, une fois que l’orage est passé, les oreilles sifflent comme des câbles électriques arrachés. Au-dehors, sur la plaine du Sjock, la vie continue comme si rien ne s’était passé.

Mais nous on sait que quelque chose s’est passé dans le marquee. Quelque chose de sale. Quelque chose de vivant. Quelque chose qui gratte encore derrière les côtes: ce n’est pas le souvenir de deux sets d’anthologie, c’est une cicatrice sonore qu’aucun baume ne viendra soulager. Et c’est ça qui est bon. Si vous en ressortez parfaitement intact, c’est probablement que vous étiez trop loin des caissons.

OSEES @ Sjock Festival #50 – Gierle-Lille, 11 juillet 2026

Dear luggage inspector, if you open this PLEASE close it properly, the guitar is my mife. Thanx you 🙂 C’est tout simplement le mot inscrit par John Dwyer à l’intérieur de sa guitar case. Ca plante le décor. Tout est déjà dit avant que la tornade n’arrive. OSEES, notre découverte coup-de-coeur de ce Sjock #50. Il paraît qu’un concert est censé être un spectacle. Une scène, des lumières, quelques types qui jouent de la musique et un public qui applaudit poliment en fin de morceau. Mais OSEES n’en a manifestement rien à foutre: son set ressemble plutôt à une tentative organisée de faire imploser le rock’n’roll depuis l’intérieur dans une crise de psychédélisme totalement maîtrisée sous les fausses apparences d’un joyeux bordel. Car non, tout est millimétré, tout est pesé, pensé, organisé, réparti, orchestré…

Et ça commence sans préliminaires. Pas de montée en température, pas de poignée de main avec le public: OSEES met directement le moteur dans le rouge. Deux batteries en frontstage cognent comme si elles avaient été condamnées aux travaux forcés, la basse graisse les fondations et Dwyer balance ses riffs avec la délicatesse d’un type qui aurait décidé de régler ses comptes avec l’humanité entière. Le résultat est obscène.

Le garage-rock devient punk, le punk vire au krautrock, le krautrock se fait défoncer par le psychédélisme et tout ce petit monde finit dans une centrifugeuse métallique. Les morceaux sont catapultés dans la gueule du public. Dwyer est inquiétant, guitare vissée contre le bide, silhouette de prédicateur tatoué sous acide. Les deux batteurs déroule une avalanche rythmique sur la plaine où ça saute, ça pousse, ça pogote, ça se fracasse joyeusement les côtes pendant qu’OSEES, lui, continue son carnage avec une précision clinique passée au broyeur industriel.

Le génie d’OSEES est là : faire passer le chaos pour quelque chose de parfaitement maîtrisé. Ou l’inverse : derrière cette apparente sauvagerie servie par une rythmique meurtrière, chaque coup de caisse, chaque rupture, chaque riff est réglé au millimètre. C’est bordélique comme une émeute ou une crise d’épilepsie collective mais précis comme une horloge suisse. OSEES ne se jauge à sa juste et démesurée valeur que live on stage, parce qu’il y de ces phénomènes qui ne se conçoivent que lorsqu’ils surviennent, pas quand on les décrit…

Pour la petite histoire : OCS, The OhSees, Thee Oh Sees, Oh Sees ou encore Osees ? On a oublié de leur demander comment les présenter aujourd’hui parmi la pléthore d’étiquettes derrière lesquelles il y a tout autant d’albums, tantôt sous un nom, tantôt sous un autre. 30 albums quand même en 23 ans de carrière: on n’en fait plus beaucoup des charognes comme ça, hein dis…

COSMIC PSYCHOS @ Sjock Festival # 50 – Gierle-Lille – 11 juillet 2026

Ils nous l’on salopé, ce concert. Ah ça, ils nous l’ont bien salopé ce concert ! Un set ? Plutôt une bouillie sonore. Une débauche inaudible de décibels et une soupe à la puissance à qui mieux mieux. Un son sale comme c’est Dieu pas possible – ils nous auraient vomi leur prestation dans une décharge publique de punk rock qu’on aurait pas vu la différence. Mais COSMIC PSYCHOS n’aurait pas pu davantage nous plaire, car COSMIC PSYCHOS est intouchable, souverain et plénipotentiaire sur scène. Point à la ligne. On ne touche pas à COSMIC PSYCHOS.

Hilares. Ils sont hilares, nos Australiens, savourant la bonne blague qu’ils nous balancent dans la tronche. COSMIC PSYCHOS est d’ailleurs une vaste blague: ils ne se prennent pas au sérieux, comment pourrait-on les prendre au sérieux ? COSMIC PSYCHOS est une farce, une grasse et grosse farce mais pas plus finalement que leur I Really Like Beer UK/EU Tour 2026. Car plus houblonnés que COSMIC PSYCHOS on ne fait pas. On ne peut pas faire…

Le rock’n’roll a-t-il vraiment besoin d’un permis ? Il y a des concerts qui élèvent l’âme. Ceux de COSMIC PSYCHOS préfèrent manifestement lui rouler dessus avec un tracteur. Le trio ravage le Sjock comme trois routiers ayant raté la sortie vers le bistrot et décidé de transformer leur erreur en carrière. Pas de mise en scène, pas de philosophe sous kétamine derrière les consoles : juste une guitare, une basse, une batterie et suffisamment de décibels pour faire fuir le commun des mortels. I Really Like Beer Tour 2026 : le message est limpide, la subtilité est officiellement portée disparue.

COSMIC PSYCHOS prouve qu’on peut écrire du punk pendant qu’on semble intellectuellement occupé à chercher son ouvre-bouteille. Et ça marche même tellement bien qu’on finit par soupçonner le trio d’avoir découvert la formule secrète du rock : trois accords, une bière et surtout aucune envie de faire évoluer le concept. Ils arrivent comme le Messie, sauf que le Messie porte un marcel et sent probablement la sueur, la bière tiède et l’huile moteur.

Leur son est gras, brutal, parfois aussi élégant qu’un coup de boule dans une porte de garage. On pourrait leur reprocher une absence totale de finesse, mais ce serait comme reprocher à un bulldozer de ne pas être un violon. Le trio ne cherche ni la révolution musicale ni la rédemption artistique : il veut faire du bruit, faire rire et faire boire. Ils ne donnent pas un concert : ils organisent une panne générale du cerveau. C’est vulgaire, répétitif, bruyant, gras, parfaitement assumé et délicieusement débile. Bref, du rock’n’roll comme on l’aime quand on a cessé de croire qu’il devait sauver le monde. Il lui suffit parfois de nous empêcher de penser pendant une heure et demie. Mission accomplie, bande de psychopathes.

The BRONX @ Sjock Festival # 50 – Gierle-Lille, 12 juillet 2026

A tout jamais, à tout jamais The BRONX restera pour nous associé à MC5 et plus particulièrement à son légendaire Wayne KRAMER. Ils se sont croisés ici-même sur la scène du Sjock (c’était en 2018), et le déjà unique et incomparable Joey Castillo m’avait demandé d’immortaliser l’instant en lui tirant le portrait backstage aux côtés de la légende vivante. De feu la légende vivante. Notre objectif en a encore le palpitant comme nous, rien que d’y penser. Plus tard dans la soirée, juste avant de partir à l’attaque des planches, KRAMER laisse tomber son mediator. Je le ramasse et le lui tends – avec son sourire carnassier et l’oeil pétillant, il me dit de le garder… Legend.

Huit ans plus tard, le punk est toujours au rendez-vous. Le Sjock aussi. The BRONX itou. Il vient même de se faire rouler dessus par une camion-benne. Il y a des concerts auxquels on assiste. Et puis il y a les concerts de The BRONX, où l’on accepte simplement de mettre sa carcasse à disposition d’un accident industriel. Pas de dentelle, pas de violons, pas de petite intro atmosphérique destinée à faire monter la tension : The BRONX débarque et balance immédiatement tout à la gueule du public. Le message est limpide : ce soir, personne ne sera propre, personne ne sera raisonnable et les genoux sont officiellement devenus une monnaie d’échange.

Matt Caughthran, lui, n’est pas vraiment un chanteur. C’est plutôt un possédé échappé d’un abattoir, avec un micro dans une main et suffisamment de rage dans les poumons pour alimenter une centrale nucléaire. Il arpente la scène comme si quelqu’un lui avait volé sa bagnole, sa bière et les dernières miettes de dignité qui lui restaient. A ses côtés, The BRONX transforme chaque morceau en baston de parking, en déclaration de guerre. Dans le public, ça saute, ça cogne, ça hurle, ça se relève avec un sourire de demeuré avant de replonger dans la marmite.

The BRONX n’a jamais été un groupe particulièrement intéressé par la subtilité mais plutôt par un mélange de hardcore, punk, rock’n’roll et cette délicieuse sensation d’avoir garé son cerveau derrière le bar avant d’entrer. Les guitares scient l’air comme des tronçonneuses, la batterie cogne avec la délicatesse d’un videur sous amphétamines et Caughthran continue de gueuler comme si sa survie en dépendait. Le pit ressemble à une machine à laver remplie de types qui auraient oublié de retirer leurs chaussures de sécurité dans une soirée qui n’a déjà plus grand-chose à voir avec la civilisation occidentale. Avec la civilisation tout court.

The BRONX ne cherche pas à réinventer le punk. Ils font mieux : ils le prennent par le col, le traînent dans la boue, lui collent une droite et lui demandent s’il en veut encore. Évidemment qu’il en veut encore. Parce qu’après un concert pareil, on ressort avec les oreilles en vrac, le t-shirt transformé en serpillière, quelques bleus dont on ignore l’origine et cette étrange impression d’avoir survécu à quelque chose. The BRONX, c’est ça: du rock’n’roll sans airbag, sans contrôle technique et sans garantie constructeur. Et putain, qu’est-ce que c’est bon. The BRONX, c’est ça. Ce n’est que ça. Merci le Sjock.